La démarche artistique de Shan Weijun s'ancre dans une démarche introspective et contemplative, où le paysage, bien que puisant ses racines dans la campagne française, se fait l'écho de la topographie intime et mémorielle de sa région natale de Jiangsu. Par l'emploi de techniques traditionnelles chinoises — papier de riz, pinceau, encre de Chine — Shan réinvente le paysage périurbain à travers une méthode singulière qu'il nomme "mille points". Cette technique, évoquant le pointillisme impressionniste français de la fin du XIXe siècle, se distingue néanmoins par son usage exclusif de nuances de gris, conférant à ses œuvres une profondeur et une subtilité remarquables.
Les montagnes, les pierres, les arbres, éléments récurrents de son répertoire visuel, transcendent leur matérialité pour inviter le spectateur à une méditation sur l'impermanence. Cette quête d'une expression pure, loin de se limiter à une simple reproduction du réel, engage une réflexion profonde sur l'essence même de l'existence, où le silence, la simplicité et la solitude deviennent des vecteurs de sens.
Shan Weijun, par sa pratique, se fait l'intermédiaire entre le visible et l'invisible, le matériel et le spirituel. Il explore la tension entre l'encre et le papier, entre la présence et l'absence, dans une quête incessante de l'harmonie et de l'équilibre. L'artiste décrit son processus créatif comme une forme de retraite méditative, une manière de se fondre dans l'univers, de dialoguer avec son âme et, in fine, de toucher à une vérité universelle.
Son œuvre, loin de se réduire à une simple technique ou esthétique, se veut le reflet d'une philosophie de vie. Shan Weijun ne se contente pas de peindre des paysages ; il nous convie à un voyage spirituel, où chaque point d'encre devient une méditation, un souffle, une fenêtre sur l'infini. Dans ce dialogue intime avec la nature, l'artiste aspire à révéler non seulement une vérité personnelle mais aussi à éveiller une résonance universelle, témoignant ainsi de la puissance transcendantale de l'art.